E se o produto do fotógrafo fosse 15 minutos dentro do seu universo?
Festival em Londres transforma o estúdio de Miles Aldridge em uma experiência fotográfica para o público. O projeto aponta para uma possibilidade de negócio que vai além do ensaio tradicional, da impressão e da venda de imagens.
É tempo de novos formatos, de experimentar possibilidades. Essa iniciativa recente mostra a dimensão disso. O Mount Street Neighbourhood Arts Festival, que começa em 12 de outubro em Mayfair, Londres, terá a fotografia como um dos eixos desta edição. Entre os projetos anunciados está uma experiência criada a partir do universo de Miles Aldridge.
Um espaço será transformado em um estúdio fotográfico funcional inspirado no fotógrafo britânico. Durante aproximadamente 15 minutos, visitantes poderão entrar nesse ambiente e participar de uma experiência envolvendo retrato e Polaroid.
Quem foi ele - Miles Aldridge é um fotógrafo e artista britânico conhecido por imagens de cores extremamente saturadas, cenários meticulosamente construídos e uma estética que mistura moda, cinema e referências à cultura pop. Ao longo da carreira, trabalhou para publicações como Vogue Italia, The New Yorker, Vanity Fair e The New York Times, além de ter obras em coleções como Victoria & Albert Museum e National Portrait Gallery. Mesmo com uma produção sofisticada e contemporânea, Aldridge mantém forte relação com processos analógicos, incluindo filme e Polaroid.
É justamente por isso que a experiência criada para o festival chama atenção: ela não inventa um produto desconectado de sua trajetória. Transforma elementos que já pertencem à linguagem e ao processo de Aldridge em algo que o público pode vivenciar.
O ponto interessante para quem trabalha com fotografia está no formato. O público não compra simplesmente uma fotografia pronta, nem participa de um workshop ou contrata uma sessão convencional. Ele paga (direta ou indiretamente, dentro da programação do festival) para entrar por alguns minutos no universo construído pelo fotógrafo.
Isso transforma linguagem visual em experiência.
É uma lógica que aparece num momento em que fotografia instantânea, impressão, câmeras analógicas e atividades presenciais voltam a ganhar espaço. Em vez de competir somente por duração de ensaio, quantidade de fotografias entregues ou preço do pacote, o fotógrafo pode pensar também no acesso a uma experiência específica.
As aplicações não precisam reproduzir a escala de Miles Aldridge nem depender de um festival de luxo em Londres. Um fotógrafo pode desenvolver um pequeno estúdio autoral para eventos, retratos instantâneos em uma loja, uma ação temporária para uma marca, uma experiência dentro de um hotel ou restaurante ou mesmo uma versão presencial de um projeto fotográfico próprio.
A diferença está na embalagem comercial. O que antes era apresentado como “uma sessão de 30 minutos” pode se tornar uma experiência com estética, processo, cenário, objeto físico e participação do cliente.
Isso também muda a conversa sobre preço. O cliente deixa de comparar apenas fotógrafos que oferecem determinado número de fotos por determinado valor e passa a avaliar uma proposta com características próprias.
Naturalmente, nem toda linguagem fotográfica vira uma experiência comercial e o prestígio de Miles Aldridge permite iniciativas difíceis de reproduzir diretamente. O aprendizado não está em copiar o projeto. Está em observar o princípio: aquilo que um fotógrafo já sabe fazer pode ser reorganizado e apresentado para outro público, outro contexto e outro tipo de cliente.
Esse é um dos pontos que observo no Mapa R.U.M.O.: olhar para trabalho, posicionamento e mercado para identificar possibilidades que muitas vezes já estão dentro do próprio repertório do fotógrafo, mas ainda não foram transformadas em oferta.
Talvez exista um produto novo no seu trabalho antes mesmo de você precisar criar algo novo.
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